David Ramsay Hay y la reinvención de la estética pitagórica
David Ramsay Hay, que entendía que las mismas leyes se aplicaban tanto a la belleza visual como a la auditiva, pensó que era posible no sólo analizar maravillas visuales como el Partenón en términos de teoría musical, sino también identificar sus correspondientes armonías y melodías musicales. Carmel Raz habla de la estética original, idiosincrásica y en ocasiones desconcertante del artista escocés.
16 de mayo de 2019
Negativo de calotipo de David Ramsay Hay, ca. 1845, por David Octavius Hill y Robert Adamson — Fuente .
“Todo arte aspira constantemente a la condición de música”, escribió el crítico de arte victoriano Walter Pater en 1888. A principios de siglo, el artista escocés David Ramsay Hay compuso una serie de quince libros publicados entre 1828 y 1856 que intentaron desarrollar una teoría de la belleza visual a partir de los elementos básicos de la teoría musical. Anticipándose a Pater, pero también a los intentos de fin de siglo de unir las artes a través de afinidades espirituales o sinestésicas , los escritos de Hay mapearon colores, formas y ángulos en construcciones musicales familiares como tonos, escalas y acordes. Si bien estas ideas pueden parecer muy excéntricas hoy, una comprensión de ellas ofrece una visión de la notable importancia de la música para el Zeitgeist victoriano.
A pesar de la naturaleza abiertamente especulativa de sus teorías, la afirmación de Hay de haber comprendido la psicología de la belleza influyó profundamente en las nociones de estética de mediados del siglo XIX, una influencia que se amplió a través de sus actividades profesionales como miembro de la Royal Society de Edimburgo y como diseñador de interiores oficial de la reina Victoria. Sus libros fueron reeditados en múltiples ediciones y traducidos tanto al alemán como al francés, y ganaron popularidad entre los científicos más destacados de la época, entre ellos Adolf Zeising, John Addington Symonds y Thomas Laycock. Y, sin embargo, sus ideas siguieron siendo complejas e idiosincrásicas.
El enfoque de Hay sobre la estética visual era igualmente aplicable a la arquitectura, la teoría del color, las artes ornamentales y el rostro y la figura humana. Puede entenderse como una explicación psicológica de la belleza, en contraposición a otras teorías contemporáneas que anclaban la belleza en nociones de lo pintoresco, lo mimético o lo sublime. Aunque las analogías entre la música y las bellas artes ciertamente no se originaron con Hay, su aplicación de la teoría musical a una amplia gama de experiencias visuales que incluían el color, las formas, las figuras y la arquitectura abrió nuevos caminos. En lugar de localizar las propiedades musicales en los objetos mismos, como habían hecho pensadores anteriores, desde Platón hasta Newton, Hay trabajó en la tradición poskantiana, considerando estas características como inmanentes a nuestras propias mentes, donde crean nuestra experiencia de la belleza al determinar la estructura misma de nuestras percepciones.
Hay definió su proyecto como el desarrollo de una ciencia de la estética basada en lo que él llamó la “gran ley armónica de la naturaleza que impregna y gobierna el universo”. 1 Escribió que
Parece haber implantado en la mente humana un principio rector de armonía de naturaleza matemática, que responde a las impresiones producidas en los órganos de los sentidos por ciertas combinaciones, movimientos y afinidades en los elementos de la materia. 2
El hecho de que obtengamos placer al oír ciertos intervalos concordantes, que se derivan de lo que se conoce como la serie de armónicos, demuestra para Hay que la naturaleza y la humanidad están gobernadas por los mismos principios. 3 Y va más allá: la afinidad fisiológica entre la vista y el oído significa que estas leyes se extienden no sólo a la música, sino también al mundo visual. 4 Después de todo, observa, “el ojo y el oído son distintos en sus modos de recibir impresiones; sin embargo, el sensorio es uno solo, y la mente por la que se perciben y aprecian estas impresiones también se caracteriza por la unidad”. 5 Puesto que tanto la vista como el oído son procesados por la mente, deberían estar gobernados por principios similares.
Mapeo del color de Hay sobre notas musicales, un diagrama de su obra Las leyes del colorido armonioso (1838) — Fuente .
A lo largo de sus escritos, Hay vincula constantemente la afirmación de que una única ley fundamental de la naturaleza determina la percepción estética con la obra del filósofo y matemático Pitágoras. “De las enseñanzas de este gran filósofo y sus discípulos”, escribe Hay,
La ley armónica de la naturaleza, en la que se encarnan los principios fundamentales de la belleza, llegó a ser tan generalmente comprendida y universalmente aplicada en la práctica en toda Grecia, que los fragmentos de sus obras todavía se consideran ejemplos de la más alta excelencia artística jamás alcanzada por la humanidad. 6
Hay atribuye la superioridad de los artistas griegos antiguos a su confianza en el sistema pitagórico de números armónicos, independientemente de si estaban diseñando un edificio o un jarrón. Y dado que, sostiene Hay, la brillantez artística de los griegos era fruto de un fenómeno psicológico, 7 debería ser posible combinar los principios pitagóricos con una investigación empírica de la belleza. O eso creía fervientemente.
La obra de Hay contiene comparaciones relativamente ingenuas de diversos conceptos musicales (como los grados de la escala, la inversión de acordes y la melodía) con diversas formas visuales (como las formas geométricas, los ángulos y las combinaciones de colores). Por ejemplo, en Los principios naturales y la analogía de la armonía de la forma (1842), construye una analogía entre el círculo, el triángulo y el cuadrado, y la tónica, la medianera y la dominante (las notas primera, tercera y quinta de la escala, que, cuando se tocan junto con la octava superior de la primera nota, forman el tipo más básico de acorde, la llamada tríada). Las tres formas geométricas, sostiene Hay, comprenden análogamente la tríada fundamental de la belleza visual. Todo esto se representa gráficamente en el diagrama de Hay, que incorpora tres figuras más pequeñas.
Lámina III de Los principios naturales y la analogía de la armonía de la forma (1842) de Hay — Fuente . Vea a continuación una animación explicativa del diagrama.
En la primera de ellas, en la parte superior del diagrama, la tríada musical (con su nota más baja, la tónica, C, replicando una octava más alta) se corresponde con una figura compuesta que comprende varias formas: un círculo grande (que representa la tónica, el C bajo), un triángulo mucho más pequeño centrado dentro de ese círculo (que representa la siguiente nota del acorde, la mediante, E), un cuadrado aún más pequeño (la dominante, G) y, finalmente, dentro de ese cuadrado, un segundo círculo mucho más pequeño, que representa la réplica de la tónica, C, en la octava superior. Aquí, los tamaños relativos de las formas están determinados por las alturas de tono relativas de las notas que representan: las notas más bajas obtienen formas más grandes. Las siguientes dos figuras dentro del diagrama muestran las dos "inversiones" de la tríada musical: aquí, la mediante (E) y luego la dominante (G) se convierten en la nota que suena más baja (en lugar de la nota tónica). Las formas geométricas que representan esas notas (primero un triángulo para Mi, luego un cuadrado para Sol) sufren luego una “inversión” análoga en el espacio, a medida que sus posiciones y tamaños relativos cambian para reflejar los cambios en las alturas relativas de los tonos de las notas.
Este uso de formas básicas le permitió a Hay analizar estructuras arquitectónicas complejas de una manera nueva: descomponiéndolas en sus partes constituyentes más simples. Cuando estos elementos básicos se superponen entre sí, forman una armonía, y cuando se disponen en serie, forman una melodía. Las armonías o melodías resultantes pueden evaluarse entonces según la simplicidad y regularidad de sus proporciones: cuanto más bello sea un objeto, más armonioso será. Para ello, Hay identifica la “producción arquitectónica más perfectamente armoniosa que existe”: el Partenón de la Acrópolis de Atenas. 8 La animación que aparece a continuación muestra el diagrama de Hay de la “melodía” del pórtico del Partenón, situado en la colina, que Hay transcribe como la primera, tercera y quinta nota de una escala.
Hay aplicó la teoría a otros edificios notables. Aquí está el Panteón de Roma: el diagrama inferior muestra las formas principales del edificio superpuestas unas sobre otras. De Los principios naturales y la analogía de la armonía de la forma (1842) de Hay — Fuente .
En su obra más madura, Hay aplicó la teoría musical a los ángulos, más que a las formas, los contornos o los colores. En La ciencia de la belleza, desarrollada en la naturaleza y aplicada en el arte (1856), comienza con un análisis de la numerología pitagórica, que utiliza para generar una serie de cuatro escalas. Las relaciones proporcionales implicadas en estas escalas se corresponden con las escalas de “entonación justa”, de las que Hay deriva una categorización de varios tipos de ángulos. Estas relaciones, afirma, son los “elementos simples de la ciencia de esa armonía que impregna el universo y por la que se gobiernan los diversos tipos de belleza que se imprimen estéticamente en los sentidos del oído y la vista”. 9 Es decir, Hay atribuye la sensación subjetiva de belleza estética al efecto de ciertas proporciones simples en los sentidos del oído y la vista. Luego, relaciona esto con una noción más amplia de armonía cósmica.
Esta vasta sistematización alcanza nuevas cotas cuando Hay vuelve a visitar el Partenón y ofrece un nuevo análisis. Dado que todos los ángulos de este edificio pueden describirse como divisiones de un ángulo de 90° (utilizando los factores simples de 2, 3, 5, 7 y 9 que corresponden a 45°, 30°, 18°, 12,85° y 10°), sostiene que las proporciones específicas de sus ángulos pueden compararse con las proporciones de la escala musical: la tríada elemental de ángulos tónicos (primero en la escala), dominantes (quinto) y medianeros (terceros), junto con los ángulos subtónicos (séptimo) y supertónicos (segundos). Es decir, el edificio (como forma visual) y la escala (como construcción musical) se entienden como conjuntos análogos de proporciones armoniosas.
Luego, Hay intenta demostrar su teorema mediante el análisis de jarrones griegos, adornos de columnas, arreglos de colores y rostros y figuras idealizados.
Lámina XIX de La ciencia de la belleza, tal como se desarrolla en la naturaleza y se aplica en el arte (1856), de Hays — Fuente .
Lámina X de La ciencia de la belleza, de Hays : tal como se desarrolló en la naturaleza y se aplicó en el arte (1856) — Fuente .
Lámina XX de La ciencia de la belleza, tal como se desarrolló en la naturaleza y se aplicó en el arte (1856), de Hays — Fuente .
Su conclusión central es que nueve de los ángulos que gobiernan el pórtico del Partenón también definen los ángulos de la figura femenina ideal. Al comparar las medidas de las esculturas griegas antiguas con las dimensiones empíricas de seis modelos femeninos empleados por la Academia Escocesa de las Artes, Hay sostiene que sus resultados confirman las afirmaciones de Vitruvio de que la arquitectura griega antigua se modelaba según las proporciones del cuerpo humano. Aquí la “mirada masculina” se extiende desde los cuerpos de las mujeres hasta los edificios antiguos; ambos son juzgados por los mismos criterios.
El intento de Hay de articular propiedades abstractas de la estética visual mediante el lenguaje de la música no siempre resulta convincente. Incluso una vez que se comprenden sus afirmaciones (una tarea difícil incluso para quienes están familiarizados con los entresijos de la teoría musical), a menudo parecen extrañas y especulativas. De todos modos, hay algo sumamente atractivo en sus ideas, algo fascinante en el uso de la teoría musical para abrir nuevas formas de abordar las formas visuales. La metáfora que a menudo se atribuye a Schelling, de que la arquitectura es música congelada en el tiempo, puede refractarse contra el proyecto de Hay: contemplar la belleza (ya sea en la forma de un edificio, un jarrón, una combinación de colores o el cuerpo humano) era, para Hay, experimentar la música geométricamente ordenada de las esferas.
Carmel Raz es líder del grupo de investigación del Instituto Max Planck de Estética Empírica en Frankfurt, Alemania, donde dirige un grupo titulado “Historias de la música, la mente y el cuerpo”. Sus principales intereses de investigación se centran en la música y la neurociencia del período romántico temprano, en particular la influencia de diferentes teorías de la cognición en las obras musicales, el diseño de instrumentos y la estética. También está interesada en la filosofía escocesa del siglo XVIII, las teorías históricas de la atención y el papel de la interpretación musical en las concepciones filosóficas del automatismo.
No hay comentarios:
Publicar un comentario